エリック・ドルフィー《Out to Lunch》 [音楽]
Eric Dolphy, Copenhagen 1961 (npr.orgより)
エリック・ドルフィー (1928－1964) の《Out to Lunch》は彼のセッション・アルバムの中で最も整合性があり、完成度の高い録音だと思われる。思われるなどと曖昧な言い方をしないで、録音である、と断定してしまっても差し支えない。その《Out to Lunch》を2019年2月13日に発売された最も新しい国内盤で聴いているのだが、+2のalt takeさえ実は初めて聴いたのである。
ドルフィーのFM盤《Conversations》とDuglas盤《Iron Man》にプラスアルファしたResonance盤《Musical Prophet: The Expanded 1963 New York Studio Sessions》が発売されてから随分経ってしまって、いまだにそれについてなかなか書くことができないのだが、このセッションの基本は1963年7月1日と3日の録音であり、さらに1964年3月2日の〈A Personal Statement〉のalt takeが収められているというのが目玉である。
Jazzdisco.orgのディスコグラフィに拠れば、同曲は〈Jim Crow (aka A personal Statement)〉と表記されていて、March 1 or 2, 1964となっているが、《Musical Prophet》で3月2日と確定されているのならそうなのだろう。つまり《Out to Lunch》より数日後の録音ということである。
なぜResonance盤などのプロモーションが《Out to Lunch》にこだわるのかといえば、それ以前におけるドルフィー名義の、つまりリーダー・アルバムはこのResonance盤の基本になっている《Conversations》と《Iron Man》なのであり、そこから《Out to Lunch》(1964年2月25日) まではすべてサイドメンとしての録音しかないのだ。そしてその後のリーダー・アルバムといえば1964年6月2日の《Last Date》なのである (正確にいえばその1日前の6月1日にCafe De Kroon, Eindhoven, Netherlandsでの〈Epistrophy〉が1曲だけある)。ドルフィーの録音歴のなかで際だって重要であるアルバムからこそ《Out to Lunch》の名称が繰り返し使われるのだろうと思われる。
リーダー・アルバムがどうして重要かというと、はっきり言ってしまうとたとえばコルトレーン・グループにおけるドルフィーはあくまでもコルトレーンを引き立てるための役割でしかない。コルトレーンとドルフィーのコンセプトはかなり異なる。ただドルフィーは合わせるのが上手いから合わせているだけで、私はコルトレーン・グループでのドルフィーは ｢所詮、お手伝い｣ というふうにしか聞こえないのである。
さて、今回の国内盤はライナーノーツの翻訳が載っているのだが、正直言ってライナーノーツなんてそんなに真面目に読んでいなかったということを思い知らされた。いや、読んでいたのかもしれないが、ともするとライナーノーツなんて、ありきたりなことしか書いていないからという先入観だけで読み飛ばしていたのかもしれない。
A. B. Spellmanのライナーに拠れば、ドルフィーはオーネット・コールマン的な反逆のミュージシャンとして認識されていて、
いわく彼は無用の繰り返しが多く、大げさで、美しいメロディを持たず、
頑迷なほど抽象的である。(行方均・訳 以下同)
と非難されていたというのだ。もうボロボロで言われたい放題であるが当時のミュージック・シーンだとそんなものだったのだろう。
《Out to Lunch》というアルバムの特徴はピアノレスであって、その代わりにヴァイブのボビー・ハッチャーソンが入っている。このヴァイブの音がこのアルバムの全体的なテイストを決定づけているといっても過言ではない。
ドルフィーはハッチャーソンのヴァイブについて ｢ピアノより自由で解放的なサウンド｣ であると言っているが、つまりピアノによる和音が、音楽をスクエアにしてしまうという意味あいがあったのではないかと感じる。
普通ならあるはずの楽器が無いという組み合わせを考えると、たとえば山下洋輔はずっとピアノ、サックス、ドラムというベースレスでトリオを形成していた。これはおそらくベースによるリズムの支えみたいなものが重く感じられたからではないかというふうに類推する。また昔のピアノトリオは、ピアノ、ギター、ベースというようなドラムレスのことがあったが、それもドラムによるリズムのきっちりとしたキープが邪魔だったのかもしれない。ビル・エヴァンスとジム・ホールのデュオはその考え方の延長線上にあるように思う。
ある程度の和音を発生させるがでもピアノとは異なる、というふうにハッチャーソンのヴァイブを位置付けた場合、このリズムセクション、つまりリチャード・デイヴィスとトニー・ウィリアムスという3人は非常に強力である。
トニー・ウィリアムスのプレイに対するドルフィーの形容で注目すべきなのは、タイムとパルスという対比である。
｢トニーは拍子 [タイム] を刻むのではなく、波動 [パルス] を送る｣
”Tony doesn’t play time, he plays pulse.”
さらにタイトル・チューンである〈Out to Lunch〉についてはさらに詳しくこの概念が語られている。
｢彼は拍子 [タイム] を刻まず演奏している。たとえリズム隊が拍子を放
棄しても、根本的な波動 [パルス] が曲の内部から訪れる。この波動こ
そミュージシャンが演奏すべきものだ｣
“He doesn’t play time, he plays. Even though the rhythm section
breaks time up, there’s a basic pulse coming from inside the tune.
That’s the pulse the musicians have to play.”
ドルフィーはタイムとパルスとは異なるというふうに考えているのだ。タイムはキープするものだが、パルスは音楽に本来から内在されているもので、それをかたちづけるのがドラマーの役目である、と言いたげである。
この表現はブログの前記事に書いたモートン・フェルドマンのmeterとrhythmの概念によく似ている。フェルドマンはリズムでなくメーターだと言っていたが、使っている単語こそ異なっているが、｢拍動｣ (と、わざと異なった単語を使ってみるのだが) は作り出すものでなく、音、というか生成された音楽に本来備わっているものなのだということを言いたいのではないだろうか。
さて《Out to Lunch》の+2のalt takeなのだが、追加されているのは〈Hat and Beard〉と〈Something Sweet, Something Tender〉である。Jazzdiscoを見ると〈Hat and Beard〉は1310 tk.10、〈Something Sweet, Something Tender〉は1311 tk.12となっていて、最後の〈Straight Up And Down〉が1313 tk.21と表記されている。このtkという記号の後の数字はおそらくその日のトータルなテイク数で、つまり21プラスアルファの演奏をしたのだと思われる。その中で選ばれたのがマスターテイクであって、それぞれのテイク数に関しては不明である。
聴き較べてみるとマスターテイクのほうが当然良い演奏であるが、alt takeは少し攻め気味のアプローチであって、滑らかさが不足して棘があるように聞こえる部分がかえって新鮮で、各テイクのレヴェルの高さが感じられる。〈Hat and Beard〉のalt takeは1’17”あたりでドルフィーが一瞬出てしまうのがキズだと解釈されているのだろうが、それ以降のソロはマスターテイクよりもチャレンジングな印象を受ける。ドルフィーがソロに入った直後のトニー・ウィリアムスの反応もスリリングだ。テイク数がこれだけあるのだから (最小で21テイクだとして、5曲あるから各曲平均して4テイクはあるはず)、できれば全てのテイクが聴きたいくらいのクォリティである。ブルーノートならマスターは残っているのではないかと思う。コンプリート盤の需要はきっとあるはずだ。
このアルバムがリリースされたのは1964年8月であったが、そのときすでにドルフィーはこの世にいなかったのだと解説にある。だが製造過程で間に合わなかったのか、ライナーノーツにそのことは何も記されていない。
Eric Dolphy/Out to Lunch! (ユニバーサル ミュージック)
www.amazon.co.jp/dp/B07KZG7DQB/
Eric Dolphy/Hat and Beard
https://www.youtube.com/watch?v=7tnPkQufnZY
こんにちは。
エリック・ドルフィーのアルバム探しましたが、一枚も所持していない。「ピアノレス」「ピアノによる和音が、音楽をスクエアにしてしまう」成る程です。Eric Dolphy - Hat and Beardを聞きましたが・・・解放的なサウンドは、メインにならない印象？映画の挿入サウンドに聞こえてきました。JAZZの自由で実験的な取り組みが表現されていて、サウンド的には面白いです。聴き比べてみたいですね！？(=^･ｪ･^=)
by Boss365 (2019-02-23 11:44)
Eric Dolphy - Hat and Beard、視聴させていただきました。
驚異的なくらいカッコいいですね。
いきなり「カッコいい」なんてシンプルな言葉を使ってお恥ずかしいところですが、真っ先にこの言葉が出てきました。
それぞれの楽器の音がクリアで、しかも纏まりとしても極めて高度、そしてこれはわたしの勝手な印象かもしれませんが、音と音の間に物語が見えてくるような気がするのです。
音楽そのものが、とても立体的で、映像を喚起するという感じです。
エリック・ドルフィーも３０代と、若くして亡くなっているんですね。
かつてのジャズプレイヤーは、特に偉大な人たちが、ロックミュージシャン以上に短命が多いことに驚かされます。
＞もうボロボロで言われたい放題
考えさせられます。
１０代の頃はライナーノーツも熱心に読んでおりました。
数少ない音楽情報の一つということもありましたから。
音楽だけではないのですが、プロとして批評を書いている人たちには、ぜひ「かつて書いたこと」の再検討をお願いしたいところです。
まあ、そんなことする人、なかなかいないでしょうが、「書きっ放しで、後は知りません」というのでは、ちと無責任ですよね、彼らはそれでお金を稼いでいるわけですから。
・・・
フェルドマン、ブーレーズ、そしてフェルドマン弾きとして、高橋アキや井上郷子ですね。
しっかり覚えて、今後の音楽鑑賞の道標にさせていただきます。
わたしはどんなジャンルの音楽でもOKですが、そこそこ詳しいのは欧米のロック系くらいで、他は大雑把かつ曖昧に耳に入れてきただけという有様でして、いつもlequiche様お音楽レヴューによって新たな音楽経験をさせていただいております。
音楽の新たなピースが、もちろんしっかり理解しているとは言い難いですが（笑）、自分の中に増えていく心地よさがあります。
わたしにも、武満、フェルドマン、イーノが「違う」ことは分かりますが、「どう違うか」という説明はなかなかできません。
この中ではやはりロックとの繋がりも深いイーノには１０代の頃から親しんでおりました。
イーノは武満やフェルドマンと比べると、入りやすくはありますね。
イーノとデヴィッド・バーンのコラボなんかもけっこう好きでした。
加古隆はニューエイジのイメージなのですか。
わたし、『映像の世紀』のテーマ曲以外はあまり聴いたことないのです。
でも実はあの曲、大好きなのです。
『映像の世紀』も充実した回が多いのですが、歴史上偉大な人物、恐るべき出来事の映像にあの曲が被さると、うるうるきてしまうこともしばしばです。
日本のクイーン評価についてですが、まず初期のメロディアスなハードロック路線が好まれていた側面が大きく、さらに彼らの若き日のルックスですね、特にロジャー・テイラーは女性ファンに圧倒的人気がありました。
で、メロディアスなハードロック路線も若き日の容姿も無くなってしまった『世界に捧ぐ』あたりからは、「もう終わった」という風潮になってしまったのですね。
しかしそれはあくまで「日本のロックファン」の中でのことでして、クイーンは結局『世界に捧ぐ』以降に、より広範なファンを獲得していくことになったのですが。
＞夕方の5時になると今日の仕事はおしまい
いいですね～。
そういう境地にも憧れますね～。
書くこともつい「従来の自分のやり方」を続けてしまいがちですから、いろんな方法を試してみなければなりませんね。
このSF作家さんのお話も、大いに刺激になります。
でもドストエフスキーとかはこういうタイプじゃないでしょうね（笑）。 RUKO
by 末尾ルコ（アルベール） (2019-02-23 17:02)
>> Boss365 様
ドルフィーはエキセントリックですから、
好き嫌いが極端にわかれるかもしれません。
映画音楽的というのはある意味当たっていて、
ガッチリとしたテーマというのがまず彼の念頭にあります。
《Out to Lunch》は変拍子が多いですし、
たぶんかなり厳密なテーマの楽譜があると思います。
オリヴァー・ネルソンのドルフィーが私は好きですが、
そうした厳密なオーケストレーション――つまり
｢しばり｣ の中で演奏することが
ドルフィーは得意だったのではないかと思います。
フレキシビリティに優れているのです。
でも現実にはそれはなかなか実現できなくて、
唯一、満足な仕上がりがこの《Out to Lunch》だった、
というふうに考えています。
by lequiche (2019-02-24 01:09)
>> 末尾ルコ（アルベール）様
はい。前奏が4分の5拍子で始まり、
バスクラが入るところから4分の9拍子になるという
凝った作りの曲です。もちろんドルフィーの作曲です。
ドルフィーは3拍子によい曲が多いですし、
変拍子を多用するなど、現代音楽的なテイストがあります。
それは彼が一般的な黒人ミュージシャンと異なり
譜面に強かったことがその理由だと思います。
Hat and Beardというのはセロニアス・モンクを指します。
音はクリアなのですが、全体のトーンは冷たく暗い、
というのが本来のドルフィーの示したかった音楽性だ
というふうに私は捉えています。
でもコルトレーン・グループでもミンガス・グループでも
彼に対してそうした音は要求されませんでした。
そのへんの満ち足りない部分を補完したのが本作である
と勝手に解釈しています。
ドルフィーについては評論家先生もよくわからないのでは、
と思います。
ドルフィーの評伝はシモスコ＆テッパーマンという本があって、
でもそれ以降、まともな本はほとんど出ていません。
コルトレーンとかマイルスについては書きやすいけれど、
ドルフィーについては書きにくいのです。
このアルバムのライナーノーツは良心的に書いてありますが、
そうではないもの、文字が埋まっていればいいや的なのも
随分多いです。
その時々の批評というものはナマモノですし、いきがかりですし、
そもそも評論家にそんなに期待してはいけません。
一番信頼できるのは自分の耳です。
昔のスウィングジャーナルのレコード評などを読むと
思わず笑ってしまうような見当外れのことが
よく書いてあったりします。
イーノはその作品も非常に入りやすいですが、
プロディース能力が非常に多彩で的確で、
好き嫌いは別として、それは認めなければいけません。
加古隆はたまたま思いついた人ですが、
口当たりのよいBGM的な音というのが
ニューエイジ・ミュージックのイメージとしてあります。
もっとも加古隆は三善晃、そしてメシアンの弟子であり、
経歴的にはとんでもない人です。
アヴァンギャルドを経て平易な音楽を作るようになったので
凡百の流行作曲家とは違います。
あぁ、なるほど。
クイーンとか、あと昨日の記事で
Speakeasyさんが書かれているモンキーズとか、
一般的にポップだと思われているグループについては
私はよく知らないのでいろいろと勉強になります。
さて、ドストエフスキーはどうだったのでしょうか？
でもあれだけ長い小説ですから意外にさらさらと書いていた、
という可能性もあるかもしれません。(笑)
by lequiche (2019-02-24 01:10)