サントリーホールのチョン・キョンファ

昨日は台風のため、交通機関はほとんど止まってしまったが、今朝は点検後すぐに復帰するという話だった。しかし現実にはJRは正午頃まで動かなかった。そんな中、サントリーホールのチョン・キョンファに行く。台風のため、開演時間が1時間遅れに変更されていた。

コンサートの演奏曲はブラームスのソナタ第1番《雨の歌》、第2番、第3番である。つまり全曲演奏なのであるが、あれもこれもの名曲アルバムでなくブラームスのソナタ3曲という潔さに惹かれた。でも逆に、チャレンジャーだなぁという心配もよぎる。
着いてみるとサントリーホールの周辺の飲食店も今日は閉店しているところが多く、なんとなく閑散としている。そんな日なのに、通り道のテーブルでお弁当を食べていた家族連れ (しかも複数) はなぜこんなところにいるのだろうかという疑問がよぎる。
ホールに入ってみると、客席も半分とはいわないが6分くらいの入りで、それが台風の翌日の混乱で来られない人がいたためなのか、それともそんなに切符がはけなかったのかは不明である。やはりブラームスばかり3曲だとちょっと地味なのでは、という危惧なのだ (しつこい)。

定刻、といっても1時間遅れだが照明が暗くなりチョン・キョンファがステージに登場。パープルのドレスに銀のシューズ。ピアニストはケヴィン・ケナーである。ケナーの楽譜はタブレットで、でも譜めくりの女性 (めくらないが) がいるということは手動なのだろうか。膝に操作ボックスのようなものを置いている。チョンも譜面台を立てているが、こちらはもちろん伝統的な紙製の譜面を自分でめくるシステムである。
チョンは髪をかなりショートにしていて、髪の長かった若い頃の雰囲気とはかなり違うが、その存在感はただものではない。むしろ典型的な ｢ただものではない｣ 感がして、おおお、と思ってしまう。

ここでブラームスへの興味について書いておきたい。ブラームスはロマン派の作曲家でベートーヴェンの後継で、というような歴史認識が一般的であり、その作品は伝統的な古典的手法を多少ロマン派的に変えていったというような中庸を目指した人のような解釈があるが、そういうものを打ち砕いたのが野本由紀夫のブラームスの交響曲に対する解説であり、そのことはすでに以前のブログに書いた。
野本の解釈は、ブラームスの曲は一聴、耳当たりがよく、心を和ましてくれて、伝統的な音楽の継承というような穏やかな作品というふうに見えながら、実は結構アヴァンギャルドで、でもそれが表面に出て来ないのでわからない、ないしはわかりにくいということなのである (というふうに私は読んだ)。それまで私は、ブラームスの音楽は何かこみ入っているようなウワーンとしたところがあって (私はそれを勝手に ｢喧噪点｣ と呼んでいる)、それが今ひとつわからないという印象だったのだが、野本の指摘にしたがってそれを聴くといちいち納得できるし、胸のつかえがとれたのである。
そういう視点でこのヴァイオリン・ソナタを聴くと、あちこちにあるちょっと変なところが、それについて解析するのは私には無理だけれど納得できるのである。そう考えると、変だと思っていた音が変で無くなるのだ。ただ、それを変なところと認識するか、それともそのように感じないで通り過ぎてしまうのかは人それぞれであり、全然変だと思わない人だっているだろうから、これはあくまで私の個人的な認識である。

さて、ヴァイオリン・ソナタは第1番 (op.78) が1879年、第2番 (op.100) が1886年、第3番 (op.108) が1886～1888年に作曲されたことになっていて、作品番号からもわかるように第1番のみがやや離れている。第2番と第3番は晩年というほどでもないが、かなり後期の作品である。第1番以前にa-mollのソナタを書いたといわれているが破棄されて現存していない。
ブラームス3曲を続けて弾くのがチャレンジャーだといったのは、常識的にブラームスの曲と認識して聴くと、そんなに面白い曲ではないのではないかという印象があるからだ。派手な技巧的な部分があるわけでもなく、官能的でもないし俗悪でもない。でもそれをあえて番号順に並べたのはチョンの意志があったからに他ならない。それはこれらの曲の並びが、一種のミクロコスモス的な人生のアナロジーのように感じられるからだと私は思うのである。

第1番は《雨の歌》というタイトルが付いているが、これはブラームス自身の歌曲からの引用があるからであり、全体が柔らかな雰囲気に包まれているが、そんなに名曲というほどではなく佳曲という印象である。だが第3楽章に〈雨の歌〉の引用があり、調性も短調になって、この楽章のみ少し毛色が違うように思う。
ただ、これは単に私の感じたことであって勘違いに過ぎないのかもしれないが、弾き出しの頃、チョンの楽器が鳴っていないような気がした。演奏そのものでなく、あくまで楽器に対する印象である。こういうと大げさだが、｢これってヴィオラ？｣ と思ってしまったくらいである。ところが第3楽章あたりから鋭い音と、客席にまで伝わってくる明瞭さに音質が変わってきたような、あるいは楽器が目覚めたような気がした。
第2番は曲想も明るく、チョンの弾く音もいかにも彼女の音のように聞こえてきて、といっても往年のチョン・キョンファ節というほどではないのだが、でもその音が独特だということが実感できる。あえていえば彼女が、やはり若い頃より丸くなってしまっている印象は否めない。それは悪いことではなくて、若い頃には若いなりの、年齢を重ねてからは重ねたなりの表現が存在するのである。

休憩20分をはさんで後半は第3番。結論から言ってしまえば、私が注目したいのはこの第3番であって、それはチョンの思いも同じなのだというふうに考える。第3番は4楽章あり、やや長い曲であるが、第2楽章を弾き終わったところで、ちょっとしたギミックがあった。チョンが客席に向かって、手を下から上に何度も上げたので、客席からは笑い声が起きた。つまり ｢ちょっと辛気くさい曲だからといって寝ないでね｣ というような意味だったのだろうか。私にはそのように感じられた。そしてピアニストの椅子 (やや横に長くなっている椅子) の端っこに、ちょこんと腰掛けたのである。これで客席の緊張感と ｢ちょっと眠いよね｣ 感がとれたのではないかと思う。
その後の第3楽章と、連続して弾かれた第4楽章はこの日の頂点であった。つまりなぜブラームスか、ということについてである。彼女は身体を自在に動かし、時にピアニストのほうに身体を向けてその演奏を鼓舞し、すべてを支配していた。
私にとってこの第3番はスリリングであった。この曲には野本由紀夫が指摘していたようなブラームスの ｢仕掛け｣ が多く存在していて、｢えっ？ そこでそう行く？｣ というような意外性があるのである。そしてそれは決して恣意的な書法ではなく、周到に考え抜かれたブラームスの得意技なのである。ブラームスに関してあえて難点をあげれば、それはこの隠された周到さに対する ｢いやらしさ｣ と言ってしまってもいいかもしれない。それほどにブラームスの書法は天才的なのだ。そしてそのブラームスの特質をわかったうえで弾いているチョンがすぐれているのは当然なのである (下にリンクした1980年のチョンは、かつてのチョン・キョンファ節全開で、でもブラームスに対する理解はすごいと感じさせる)。

アンコールはシューベルトのソナチネ D384の第2楽章と第3楽章。あえて易しい曲を選んで、お口直しをとしたのがチョンの老練なところなのかもしれない。あ、老練などといってはいけない。まだ十分にお若いです。
クラシックコンサート恒例のサイン会は、｢CDを購入した人だけ｣ などと言っているので帰って来た。やたらにサインを欲しがるのは演奏者にとって負担なのでは、ということもあるし、そもそもそこで販売されていたCDは全部持っているので買うものが無かったのです、HMVさん！


Brahms/Violin Sonata No.3 第4楽章冒頭


チョン・キョンファ/Bach: Sonatas & Partitas
(ワーナーミュージック・ジャパン)





Kyung-Wha Chung/Brahms: Violin Sonata No.3
live 1980 with Pascal Roge.
https://www.youtube.com/watch?v=_ZjMCUHkXuQ

若き上原ひろみのシューマン

Concord RecordsからYouTubeにupされている上原ひろみ《Spectrum》のトレイラーがカッコイイ。左手の強いヒットから始まるタイトル曲は、そのリズムとメロディの連なりで、一瞬にして上原の音であることを明らかにする。Concordからは〈Spectrum〉の通しの演奏も同様にupされている。6分弱だが非常に濃密にいろいろな要素の詰まっている構造をしている。延々と畳みかける搏動のようなリズム、強い同音の連打やユニゾンによる超速のテーマ。演奏はジョージ・ルーカスのスカイウォーカー・スタジオで録られたとのこと。

YouTubeにはその上原の15歳の時のシューマンもあって、これがなかなか面白い。ピアノが2台並んでいて上原は生徒であり、飛翔 (Aufschwung) を弾いている。1994年の演奏であることが解説文からわかる。隣に怖そうなおばさんがいて、この人が講師なのだが、上原が一通り弾いて、このくらい弾ければ問題ないのではと思ってしまうのだが、講師があれこれとダメを出しながら、同じ個所を演奏するとすごく上手い (あたりまえだけれど)。
講師はヴェラ・ヴァシリエヴナ・ゴルノスタエヴァ (Vera Vasilevna Gornostayeva, 1929－2015) というロシア人のピアノ講師だが、ゲンリヒ・ネイガウス (Heinrich Gustavovich Neuhaus(z), 1888－1964) の弟子だとのこと。ネイガウスはギレリスやリヒテルの先生だった人である。
つまりロシアという国はこのくらいのレヴェルのピアニストが山ほどいる (いた) わけで、でもこれだけレヴェルの高いピアノ・レッスンの様子はかつてのルイサダのピアノ・レッスンを彷彿とさせる内容で、こうした経験も上原の今を形成する元になっているのだろうと思う。

ゴルノスタエヴァの指摘の中で印象的なのが左手の用法で、彼女が弾くと左手のヒットがとても効果的に響く。そしてゴルノスタエヴァはロマン派の音楽とはどういうことなのかというところから、上原に説いてゆく。もっと大胆に弾いてよい。はりさけそうに爆発するように弾くのだという。
そして左手。もっと思い切ってバスを出して。バスが浅いと、音の深さが足りなくなる、という。といいながら上声部の音が貧困ともいう。リズムに関しては ｢あなたは [リズムに関して] もっと遅らせる権利を持っている｣ と通訳がいう。この言い方は直訳だが、かえって意味がよくわかってすぐれている。

ゴルノスタエヴァはシューマンの2つの性格、フロレスタンとオイゼビウスについて言及する。そして2つのイメージがあるのだから、曲想が変わったら新しいイメージを作らなければならない。これは神秘的で謎めいたもの [個所] であるという。そうした場合、左手があまりに明瞭過ぎるという。つまり必ずしもいつも明瞭に弾くのではないということなのだが、これはかなりむずかしい解釈だ。今の上原ひろみ、つまり〈Spectrum〉のYouTubeを観ていても、このゴルノスタエヴァのレッスンを観た後では、どうしても上原の左手が気になってしまう。上原の左手はいつの場合も明瞭であり、強い打鍵が特徴だ。

YouTubeをそのままにしていたら、ユジャ・ワンのルツェルン2018年ライヴのアンコール、プロコフィエフの〈トッカータ〉が映し出された。このプロコフィエフも同音の連打から始まる。なんとなくさっき聴いた上原の〈Spectrum〉に連想がいってしまう。上原ひろみとユジャ・ワンの共演を望むみたいなことがどこかのレビューに書いてあったが、刺激的なイヴェント性を望むだけなのならばそういうのもありかもしれない。
私はamazonのカスタマーレビューの類いはほとんど読まないのだが、今回、少し読んでみたら ｢これはジャズではない｣ と書いている人がいて、なるほどと思った。テイストとしてのジャズは極小である。だがキース・ジャレットのソロピアノも最初は同様に言われたのである。保守とは常に否定から始まるものなのだ。


上原ひろみ/Spectrum (Universal Music)





Hiromi/Spectrum (Album Trailer)
https://www.youtube.com/watch?v=-MLFP2UBlaA

Hiromi/Spectrum (Live)
https://www.youtube.com/watch?v=A8RCz_RoefM

Hiromi Uehara piano lesson for “Aufschwung” by Schumann
Vera Gornostayeva, 1994
https://www.youtube.com/watch?v=VasIAt__fIc

BBCのピーター・ポール＆マリー

今日は雨が降るのだろうか。昨日は降らなかったけれど今にも降りそうな空だったりした時があって、この不安定な気候には辟易するのである。
さて、今日はピーター・ポール＆マリーを聴いていたらハマッてしまった。でも私は原則としてフォークソング系の音楽が好きではない。嫌いと断定しないところがミソだが、けれどピーター・ポール＆マリーはいわゆるシティ・フォークといった色合いで、あまり土俗的なテイストがない。さらっと聴けてしまうのでとっつきやすいのである。
コーラスの美しさと2人のギターのテクニックは完璧である。私がピーター・ポール＆マリー (以下、PPMと略) を聴いていて惹かれた曲は、たとえば〈Sometime Lovin’〉という比較的しっとりとした地味な曲であった。ゲイリー・シアストン (Gary Shearston, 1939－2013) の曲である。〈Tiny Sparrow〉でもよい。要するにあまり動きのない、静止した風景のようなものに惹かれていた。でもそれはPPM本来の音楽性からいえばズレていたのかもしれない。
試しに何枚かアルバムを買ったが、〈Sometime Lovin’〉は《The Peter, Paul and Mary Album》というアルバムに収録されていて、でもこれは持っていない。つまりその程度の、ごく初歩的な曲きり知らないファンでしかないのである。

YouTubeにあるBBCライヴは1965年で、まだモノクロの映像だが、若々しい3人の歌声と演奏の様子がよくわかる。2本の動画があって、リンクしたのは少しでもきれいに見えるほうにしたが、もう1本の説明文の中にセットリストが掲載されている。
https://www.youtube.com/watch?v=ylyaVOxa6aU

映像は2回に別れていて1～9曲目までと10～17曲目だが、幾つか間違いがあるので指摘しておく。
5曲目の〈Jesus Met the Woman〉の正確なタイトルは〈Jesus Met the Woman at the Well〉、10曲目の〈The Times are a Changing〉はThereが抜けていて〈The Times There are a Changing〉、15曲目の〈Great Day〉はタイトル自体が間違いで〈Come and Go with Me to That Land〉である。これらを訂正すると下記のようになる。

　01) When the Ship Comes In
　02) The First Time
　03) San Francisco Bay Blues
　04) For Loving Me
　05) Jesus Met the Woman at the Well
　06) Early Morning Rain
　07) Children Go Where I send Thee
　08) The Whole Wide World Around
　09) Early in the Morning
---------------------------------------------
　10) The Times There are a Changing
　11) Hangman
　12) In My Dreams
　13) Puff, the Magic Dragon
　14) Rising of the Moon
　15) Come and Go with Me to That Land
　16) Blowing in the Wind
　17) If I Had My Way

PPMの実力がよくわかって、かつ明るい演奏でよく知られている曲は
　03) San Francisco Bay Blues [7’50”～]
　05) Jesus Met the Woman at the Well [13’30”～]
　15) Come and Go with Me to That Land [47’42”～]
　16) Blowing in the Wind [51’00”～]
あたりだろう。サンフランシスコ・ベイ・ブルースはカズーも入っていて楽しい。

だが私が個人的に好きなのは、朝の飛行場と心象風景を歌ったゴードン・ライトフット作曲の
　06) Early Morning Rain [17’49”～]
で、歌詞の中に数字の出てくる個所、
　Out on runway number nine,
　big seven-o-seven set to go
が印象に残る。seven-o-sevenがさすがに時代を感じさせる。
精緻なギターと歌のからみが美しいトラディショナル・ソングの
　07) Children Go Where I send Thee [21’07”～]
そして暗い情熱のような諦念のような感情がうかがえるようなアイリッシュな歌の
　14) Rising of the Moon [43’55”～]
あたりだろうか。とはいえ、捨て曲は無くて、非常にすぐれたライヴであることは確かだ。今聴いても全く古びていないことに驚かされる。

以下はその当時のフォークソングと呼ばれるジャンルと日本におけるフォークソングとがどのような関係性にあったかということについて、私が感じたことである。あくまで個人的な感想であるので独断と偏見があるかもしれないことをお断りしておく。
アメリカにおけるフォークソングの流行のピークはジョーン・バエズ、そしてボブ・ディランのようないわゆる反戦フォークを含めたプロテストソングの隆盛の時期にあると思われる。しかしフォークソングとは、もともとがトラディショナル・ソングであり、あるいはゴスペルがそのルーツであることからもわかるように、多分にレリージョナルなジャンルであった。政治的なもの云々より先に宗教的な志向を持つものなのであった。PPMの曲を聴いてもわかるように〈Jesus Met the Woman at the Well〉や、このライヴでは歌われていないが〈Tell It on the Mountain〉といった曲はその歌詞からも明らかであるようにキリスト教をそのベースとしている。
ボブ・ディランのようなメッセージ性を第一としたフォークソングに較べると、PPMやブラザース・フォアといった伝統的フォークソングのルーツに乗っていたシンガーたちはディランなどに較べると穏健であり、PPMはディランの〈Blowing in the Wind〉などを歌っているのにもかかわらず、それはフォークソングというジャンルの中にそういう曲があるからという理由による選曲であって、思想的・政治的に選択されたものではなかったのではないかと思われる。フォークソングの根源的な音楽であるはずのカントリー・ミュージックは元来保守的なものであり、プロテストソングとは対極にあるジャンルである。

〈San Francisco Bay Blues〉という曲は、ジェシー・フラー (Jesse Fuller, 1896－1976) によって1954年に作られた曲であるが、そのアルバムタイトルが《Folk Blues ― Working on the Railroad》であることからもわかるように、その曲の作り方としてはプリミティヴであり、デルタ・ブルースに遡るそうしたブルースのルーツとゴスペル・ソングとはある意味似ている。〈Rising of the Moon〉のようなアイリッシュ・フォークの曲もそのプリミティヴな共通性から選ばれているのに違いない。

日本ではそうしたアメリカの流行に影響されてディラン的な歌を作るソングライターもいたが、単にフォークソングという比較的素朴な音構造だけを借りてそれらしき音楽を作るという方法論も存在していたように思われる。それはあくまで商業主義を基本としているため、結果として単なる歌謡曲の亜流であったり、日本という国情に合わせた独特な技法を編み出すことで変質して行き、やがて歌謡曲というジャンルの中に吸収されていった。
フォークソングに限らず欧米の音楽を考える場合に重要なのは、曲に対するレリージョナルな動機であって、その善悪はともかくとしてそれを考えずに通り過ぎることはできない。私が繰り返しとりあげるR.E.M.の〈Losing My Religion〉にしても同様である。｢神を信じていないのだが、神を信じる｣ 的な矛盾を抱えているのが今の作詞・作曲家たち、もっと言ってしまえばオーディナリー・ピープルという気がする。だが日本の歌曲の場合、基本的に宗教に対する思考というものが存在しないので担保も存在しない。では何を矜恃としているのかが私には不明なのである。


The Peter, Paul and Mary Album (Warner Records)





LIVE Pater, Paul and Mary Tonight in Person BBC Four 1965
https://www.youtube.com/watch?v=qdcapT2Tdag